L'AVIS :

Après l’excellent Relic, Natalie Erika James revient avec Saccharine, un film d’horreur psychologique et organique qui confirme tout le talent de sa réalisatrice pour transformer des souffrances bien réelles en cauchemars surnaturels. Là où Relic utilisait l’horreur pour explorer la maladie d’Alzheimer et ses conséquences sur une famille entière, Saccharine s’intéresse au rapport au corps, aux troubles alimentaires et à l’obsession de la transformation physique. Mais comme dans son précédent film, le fantastique n’est jamais gratuit : il sert avant tout à donner une forme visible à une souffrance intérieure.

Le film raconte l’histoire de Hana, une étudiante en médecine aux prises avec une relation difficile à son image. Elle se préoccupe constamment de son poids, cherchant sans fin à maigrir, convaincue qu’une meilleure version d’elle-même l’attend après cette métamorphose. Cependant, ce souhait d’évolution prend une direction de plus en plus troublante.

Ce qui m’a particulièrement frappé dans ce film, c’est que le souci ne semble jamais émaner uniquement de l’héroïne elle-même. Sa relation avec l’alimentation semble être le signe d’un mal-être familial plus important.

D’une part, son père est affligé d’une pathologie qui l’a graduellement amené à accumuler une masse corporelle importante. Il semble peu à peu céder, comme si son organisme manifestait une forme de soumission face à sa condition. Hana décline emprunter cette voie et observe en lui ce qu’elle appréhende de devenir. D’autre part, sa mère exerce une supervision continue par le biais de la nourriture et de l’aspect physique. Les observations concernant la corpulence, la pression pour consommer ou restreindre certains aliments, l’attention soutenue portée à sa silhouette engendrent une contrainte qui s’avère finalement tout aussi néfaste. Prise entre ces deux exemples divergents, Hana recherche ardemment une alternative distincte. Elle refuse de ressembler à son père, mais elle est impuissante à égaler le standard dicté par sa mère. Tout son parcours est fondé sur cet antagonisme.

Le film évite en outre les représentations naïves des troubles de l’alimentation. Hana ne correspond pas à la représentation commune que l’on peut avoir de l’anorexie ou de la boulimie. Elle mange parfois de façon compulsive, consomme du sucre, des aliments riches, cherche du réconfort dans la nourriture, tout en faisant de multiples efforts pour maigrir.

Bien qu’étudiante en médecine, Hana n’ignore rien des mécanismes du corps humain. Malgré son savoir, elle se laisse attirer par des solutions promettant des résultats rapides. Elle fait de l’exercice, suit les conseils d’une entraîneuse et se tourne vers des approches censées lui permettre de maigrir sans modifier ses routines. Ces promesses deviennent rapidement une tentation impossible à refuser. Comme de nombreux produits miracles vendus dans le monde réel, elles lui offrent exactement ce qu’elle veut entendre : la possibilité de changer son corps sans avoir à considérer les raisons profondes de son mal-être. Le film démontre avec perspicacité comment cette promesse de maîtrise totale finit par devenir une nouvelle forme d’asservissement.

La nourriture devient ainsi beaucoup plus qu’un besoin basique. Elle est à la fois une source de plaisir, de culpabilité, de réconfort et de souffrance (hyperphagie). Chaque repas semble porter le poids des tensions familiales et des injonctions auxquelles Hana tente d’échapper.

Le film suggère aussi que cette quête de transformation est intimement liée à son besoin d’être aimée et reconnue. Son attirance pour la coach sportive qui dirige le programme de remise en forme ajoute une dimension supplémentaire à son obsession.
Cette dernière incarne tout ce qu’Hana croit lui manquer : la confiance en soi, la maîtrise de son corps, l’assurance et une forme d’idéal physique auquel elle aspire. Dès lors, il devient parfois difficile de distinguer ce qui relève du désir amoureux, de l’admiration ou de la projection. Hana ne cherche peut-être pas seulement à lui plaire. Elle cherche aussi à lui ressembler.

Cette ambiguïté renforce un des thèmes centraux du film : vouloir devenir une autre personne. Derrière l’obsession de la minceur se trouve une interrogation plus essentielle. Hana cherche t-elle vraiment l’amour ou espère-t-elle surtout l’approbation qu’elle croit obtenir uniquement en changeant son physique ?

Le film n’offre jamais de réponse claire, mais il illustre avec grande précision comment l’amour propre, l’envie d’aimer et la perception de son corps peuvent finir par s’entremêler. Chez Hana, la crainte de ne pas être suffisante semble alimenter autant ses interactions sociales que son rapport personnel.

Mais là où Saccharine devient réellement captivant, c’est dans sa dimension spirituelle.

Sans dévoiler les moments clés de l’histoire, le film explore graduellement l’idée que le corps d’Hana se transforme en un réceptacle. Initialement, elle désire se libérer d’une partie d’elle-même. Elle souhaite maigrir, effacer ce qu’elle perçoit comme ses imperfections et atteindre une image corporelle parfaite. Cependant, plus elle s’efforce de se vider, plus elle se remplit de quelque chose d’autre.

Le film exploite continuellement cette opposition. Le corps est simultanément un objet de rejet et un contenant. Il rassemble les espérances familiales, les fautes, les souffrances, les envies et les entités qui le hantent. Cette conception rappelle certaines représentations spirituelles asiatiques, en particulier la figure des «fantômes affamés» que l’on retrouve dans des traditions bouddhistes. Ces entités sont condamnées à une faim sans fin car elles demeurent captives de leurs aspirations terrestres. Plus elles cherchent à apaiser leur manque, plus celui-ci s’intensifie.

Dans cette perspective, le surnaturel semble moins une malédiction qu’une manifestation concrète d’un vide interne inassouvissable.

La véritable horreur du film ne serait donc pas la présence qui accompagne Hana, mais cette faim permanente qui semble grandir à mesure qu’elle tente de la satisfaire. Une faim qui dépasse largement la nourriture et qui touche à l’identité, au regard des autres et à l’acceptation de soi.

Visuellement, Natalie Erika James démontre une nouvelle fois une maîtrise impressionnante. La photographie est superbe, les effets organiques particulièrement dérangeants et chaque scène semble pensée pour traduire l'état psychologique de son personnage. Les textures, les corps, la nourriture et même les gestes du quotidien deviennent progressivement sources de malaise.

Cette approche rappelle directement Relic. La réalisatrice utilisait la décomposition progressive d'une maison pour matérialiser l'effacement de la mémoire provoqué par la maladie d'Alzheimer. La maison se transformait peu à peu en reflet physique de l'esprit qui s'effondrait.

Avec Saccharine, elle applique exactement le même procédé. Le corps devient le terrain sur lequel se manifestent les angoisses, les obsessions et les blessures psychologiques de son héroïne. L'horreur ne vient jamais d'un monstre extérieur. Elle naît d'une souffrance intime qui finit par prendre une forme tangible.

C'est probablement ce que j'apprécie le plus dans le cinéma de Natalie Erika James. Ses films ne cherchent pas seulement à faire peur. Ils utilisent les codes du fantastique et du body horror pour parler de sujets profondément humains : la maladie, la perte, le vieillissement, le rapport au corps ou encore l'acceptation de soi.

J’ai personnellement beaucoup aimé Saccharine, autant que Relic. C’est un film visuellement très soigné, intelligent dans son écriture et suffisamment ambigu pour laisser plusieurs niveaux de lecture. Derrière ses images parfois choquantes, il propose surtout une réflexion troublante sur le désir de transformation, sur la quête de validation et sur cette idée universelle selon laquelle devenir quelqu’un d’autre nous rendrait enfin heureux.

Or le film semble suggérer exactement l’inverse : tant que l’on cherche à combler un vide intérieur par une transformation extérieure, la faim ne disparaît jamais vraiment.